Palazzo Medici Riccardi, gioiello fiorentino e luogo in cui è nato il collezionismo moderno all’epoca di Cosimo il Vecchio e Lorenzo Il Magnifico, si apre ancora una volta al contemporaneo ospitando una nuova mostra di opere del Novecento provenienti da collezioni private fiorentine e toscane. Passione Novecento da Paul Klee a Damien Hirst è infatti la nuova esposizione visitabile, fino all’8 gennaio 2023, all’interno di questo palazzo storico a Firenze.

Un progetto del Museo Novecento, a cura di Sergio Risaliti, promosso dalla Città Metropolitana di Firenze e organizzato da MUS.E. L’esposizione è aperta tutti i giorni, eccetto il mercoledì, dalle ore 09:00 alle ore 19:00. Interessante è anche il fatto che questa mostra apra in occasione della Florence Art Week e nella settimana della 32a Biennale Internazionale dell’Antiquariato, BIAF in sigla: la più antica mostra mercato al mondo, punto di riferimento fondamentale per la grande arte italiana. Nella città di Firenze sono ospiti infatti i protagonisti del mercato antiquariato, assieme a collezionisti provenienti da tutto il mondo e figure rappresentative del sistema dell’arte e dei musei.

Passione Novecento da Paul Klee a Damien Hirst. Opere da collezioni private, collega quindi la grande tradizione rinascimentale del collezionismo e mecenatismo alla passione per l’arte del XX secolo, ancora coinvolgente nella nostra epoca. Pulsioni, sentimenti, desideri e ambizioni sono sensazioni senza tempo, che pervadono l’animo del vero collezionista: colui che, secondo il filosofo tedesco Walter Benjamin, si assume il compito di trasfigurare le cose, il vero inquilino dell’interieur, dove trova asilo l’arte.

Passione Novecento: il percorso della nuova mostra di Palazzo Medici Riccardi

Oggi, come ieri, il cuore del collezionista batte per i grandi innovatori: artisti che hanno dato vita a nuovi linguaggi e a nuove pratiche, a ricordare come tanto l’arte quanto il collezionismo siano sempre contemporanei. Nella mostra di Palazzo Medici Riccardi si possono ammirare infatti rari capolavori di Paul Klee e de Chirico, di Morandi e Savinio, accanto a quelli di Martini e Melotti, Fontana e Burri, per spaziare nei nomi più celebri della Pop art come quelli di Warhol e Lichtenstein, di Alighiero Boetti e Daniel Buren, fino agli artisti più celebri dello scenario contemporaneo, come Damien Hirst e Cecily Brown, Ai Weiwei e Tracey Emin.

La selezione di quadri, dipinti, e non solo, è strettamente legata al concetto di autonomia dell’opera d’arte, apprezzata per se stessa, curata, contemplata, e quindi collezionata. Un concetto, quest’ultimo, che affonda le sue radici nel collezionismo e nel mecenatismo, nato in particolare nelle “camere” e negli studioli di Palazzo Medici. Non dimentichiamoci che il vero collezionista è colui che ama talmente tanto quello che colleziona, che lo vuole salvare. I capolavori di Passione Novecento a Firenze ci raccontano storie bellissime, di grandi appassionati d’arte, persino identitarie, al punto di specchiare il collezionista, la sua vita, il suo gusto, i suoi ideali, in un gioco di suggestioni e di significati riposti.

L’Ofelia di Arturo Martini in mostra a Palazzo Medici Riccardi

Tra le tante opere esposte nella nuova mostra di Palazzo Medici Riccardi c’è anche la celebre Ofelia (1922) di Arturo Martini. Il collezionista e celebre compositore fiorentino di origine ebraica Castelnuovo Tedesco, negli anni Venti, aveva scritto le Shakespeare songs: l’Ofelia di Shakespeare improvvisamente cantava. Da qui, il desiderio dell’artista di acquistare l’emblematica scultura: una terracotta elegante, dolce, sensuale e tragica. La fanciulla è sospesa tra “la mente e la follia”. Una spallina del suo abito cade e scopre il suo seno, il volto sembra rivolgersi verso l’alto, le braccia aperte e la bocca quasi socchiusa, come se da un momento all’altro dovesse iniziare a cantare. L’opera è a noi nota grazie a una fotografia in bianco e nero del ’49.

Castelnuovo Tedesco, costretto a lasciare l’Italia in seguito alle leggi razziali, aveva precedentemente messo in salvo tutti i suoi beni, tra cui anche questa terracotta. Il noto compositore, tornato a Firenze nel 1961, acquista una casa assieme a sua moglie e rimette in luce le opere che i due avevano salvato. Ofelia lascia poi l’Italia e, a lungo conservata negli Stati Uniti, rientra per l’occasione a Firenze, tornando visibile dopo molto tempo, prima al Museo Novecento in occasione della mostra monografica SOLO. Arturo Martini e Firenze e oggi a Palazzo Medici Riccardi.

Il collezionismo fiorentino ieri e oggi

La città di Firenze, culla del Rinascimento, ha visto dai tempi dei tempi intrecciare le sue vicende artistiche con quelle del collezionismo privato. Basti pensare alle antiche famiglie dei Sassetti e dei Tornabuoni, dei Medici e dei Doni, dei Gondi e dei Rucellai, fino ad arrivare alla storia più recente.

Dalle raccolte private, dagli studioli e dai salotti dei gran signori, sono poi nati i primi musei moderni. Dall’amore per l’arte, dal culto degli antichi, dal desiderio di emulazione è anche nata una delle prime accademie d’arte, quel giardino di San Marco patrocinato da Lorenzo il Magnifico e noto a tutti, palestra artistica per altro anche del giovane Michelangelo Buonarroti. Da quell’epoca, Firenze è stata luogo del fare arte, della critica d’arte e dell’investimento nell’arte: una vocazione, quest’ultima, ininterrotta anche nell’Ottocento e nel Novecento, quando le grandi famiglie borghesi e industriali hanno perseverato in questa logica collezionando e investendo in bellezza e cultura.

Tra i più celebri collezionisti del passato ricordiamo Stefano Bardini, di cui quest’anno si celebra il centenario della nascita, antiquario e mercante tra i più eclettici e raffinati del suo tempo, dal cui gusto e capacità imprenditoriale è scaturito quel gioiello di museo “in blu” che ancora oggi porta il nome del grande mercante fiorentino. E ancora, l’eclettico Frederick Stibbert e lo storico dell’arte Herbert Percy-Horne, le cui collezioni sono un pezzo importantissimo della storia fiorentina.

TONY CRAGG | Transfer: questo il titolo della nuova mostra monografica dedicata a uno dei maggiori esponenti della scultura internazionale ospitata al Museo Novecento e all’Istituto degli Innocenti di Firenze. In città arrivano così oltre cento lavori dell’artista, tra sculture monumentali e un’accurata selezione disegni e acquerelli su carta. L’esposizione, visitabile fino al 15 gennaio 2023 e curata da Sergio Risaliti e Stefania Rispoli, è aperta tutti i giorni, eccetto il giovedì, dalle ore 11:00 alle ore 20:00. L’ultimo ingresso è un’ora prima della chiusura.

“La natura ha prodotto forme e strutture meravigliosamente intricate per milioni di anni… è una diversità che mi affascina – dice Tony Cragg -. Noi, invece, produciamo forme piuttosto semplici, ripetitive, facilmente riproducibili basate su geometrie semplici”.

L’arte di Tony Cragg, acuto osservatore del mondo circostante e amante della ‘forma’

Tony Cragg è un acuto osservatore di tutto ciò che ci circonda e noto ai più per aver introdotto nella pratica artistica materiali e tecniche tra le più sperimentali e innovative del tempo. L’inedito progetto, parte della Florence Art Week, si pone come obiettivo quello di far scoprire da vicino le opere dell’artista andando a ricostruire il suo processo creativo. Il visitatore avrà la possibilità di leggere e contemplare “forme originali”, che amplificano percezioni e immaginazioni tra mondo naturale e invenzione artificiale, tra organico e tecnologico. In altre parole Cragg è colui che, aprendo nuove e inedite possibilità di espressione all’arte, ha influenzato generazioni di artisti dagli anni Settanta a oggi.

I suoi primi lavori, infatti, nascono dall’assemblaggio di oggetti comuni, come utensili, mobili, piccoli manufatti e materiali di scarto, e risentono della tradizione del ready made duchampiano e dell’object trouvè surrealista. Successivamente, iniziano ad influenzare la sua pratica anche studi filosofici e ricerche scientifiche ed è proprio in questo momento che Cragg “gioca” con i materiali (bronzo, resine, acciaio, legno, e così via) dando vita a sculture che combinano maestria artigianale e tecnologia, avvalendosi spesso della robotica.

La mostra su Tony Cragg al Museo Novecento di Firenze

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Transfer: l’omaggio di Firenze alla scultura di Tony Cragg

La mostra Tony Cragg | Transfer a Firenze è un omaggio alla scultura, quella magnifica ossessione che accompagna l’artista fin dagli esordi. Quest’ultima, infatti, “fiorisce” da una radice, una struttura centrale che la sostiene, da cui si dipana per generare tante diverse ramificazioni, imitando quello che la natura fa con le sue forme: “Voglio fare un lavoro che abbia lo stesso intenso effetto che ha su di me guardare la Natura. In questo senso, sono rimasto affascinato dal modo in cui le costruzioni razionali sottostanti alle forme si traducono in qualità emotive”, afferma lo stesso artista.

Nel processo artistico, Cragg quindi preleva, crea, manipola e distorce continuamente la forma, per dar vita a sculture semanticamente ambigue che, muovendosi tra astrazione e figurazione, possono tanto evocare paesaggi naturali articolati, come le insenature dei fiordi, quanto darci l’illusione di rappresentare una figura umana o un oggetto familiare.

Le sale espositive al Museo Novecento di Firenze

Le sale espositive al Museo Novecento di Firenze ospitano una selezione di opere di piccole e medie dimensioni insieme a disegni e acquerelli, che vogliono restituire un’idea della prolifica e poliedrica attività di Tony Cragg. Ai lavori dislocati tra il piano terra e il primo piano  si affiancano tre sculture monumentali esposte nel chiostro del museo (Versus, Masks, Spring) e una nel Cortile degli Uomini dell’Istituto degli Innocenti (Stack), che dialogano con l’architettura dei luoghi concepiti nel Rinascimento come ambienti dedicati al ritiro e alla meditazione. Proseguendo, le sale al secondo piano presentano numerosi disegni concepiti come strumenti essenziali e propedeutici all’elaborazione plastica, mentre quelle al piano terra ricreano, attraverso l’allestimento, lo studio dell’artista, luogo di creazione ma anche di vita centrale nel suo lavoro.  

Gli oltre cento lavori di Tony Cragg nella città di Firenze alla mostra Transfer rivelano quindi una coerenza e un’organicità comune a tutta la sua opera, mostrando un linguaggio espressivo costruito meticolosamente negli anni e basato sull’idea che il processo creativo sia anche un percorso di scoperta. Nella creazione delle sue opere infatti, l’artista procede sempre allo stesso modo: dal disegno alla scelta dei materiali, alla sperimentazione della tecnica, alla selezione del colore, lavorando la materia e imparando da essa e dalle sue reazioni. In questo modo l’opera si dispiega, passo dopo passo, solo nel suo farsi, rivelando le infinite possibilità della forma.  

Tony Cragg. Transfer: attività e visite guidate alla mostra

In occasione della mostra TONY CRAGG | Transfer presso il Museo Novecento di Firenze, viene presentato un ricco programma di iniziative rivolte ai visitatori. Le proposte, a cura di Museo Novecento e MUS.E, si rivolgono ai bambini e alle loro famiglie, alle scuole, ai giovani e agli adulti e offrono una pluralità di occasioni per approfondire in chiave personale la conoscenza dell’opera di questo grande artista inglese. Si consiglia la prenotazione. Per informazioni: 055-2768224 | mail:[email protected]

• Visite alla mostra per giovani e adulti: tutti i sabati, alle ore 15:00;
• Forme infinite, infinite metamorfosi per famiglie con bambini dai 6 ai 12 anni: tutti i sabati, alle ore 16.30.

Il tempo e il suo indelebile flusso, tra confronti e similitudini: questo, in sintesi, il filo conduttore dell’edizione 2022 della mostra Andature II, con opere di Elisabetta di Maggio e Sophie Ko, visitabile al Museo Marino Marini fino al 24 ottobre 2022. Il progetto, inserito nel cartellone della Florence Art Week, è a cura di Marcella Cangioli e Antonella Nicola, in collaborazione con l’Associazione Culturale Città Nascosta e il Museo Marino Marini ed è realizzato grazie al contributo di Fondazione CR Firenze.

“In continuità con l’edizione precedente – dichiarano le curatrici Marcella Cangioli e Antonella Nicola – Andature prosegue la riflessione sul nostro essere e stare nel mondo, esseri complessi in continua trasformazione, in una realtà multidimensionale che non può non tenere conto del legame inscindibile che unisce l’Uomo alla Natura, ma anche alle leggi e ai processi evolutivi dell’Universo. Scienza, cosmologia, macro e microcosmo, ecologia, natura e ritmi biologici, dinamiche di confronto e di relazione, sono questi i temi che scandiscono il cammino dell’uomo lungo la strada della sua evoluzione e che caratterizzano questo progetto definito proprio dal passo, dall’ANDATURA dell’artista, singolarmente o congiuntamente”.

La mostra è visitabile dal sabato al lunedì dalle ore 10:00 alle 19:00, con l’ultimo ingresso alle ore 18:30. Per l’occasione, alcune opere delle due artiste saranno esposte anche al piano terra dell’Hotel Savoy, a Firenze, in piazza della Repubblica. L’esposizione è corredata da un catalogo con un saggio critico di Francesco Guzzetti e con le fotografie di Serge Domingie. Andature II è realizzata con il sostegno e la collaborazione delle gallerie di riferimento delle artiste: Building Milano, Galleria De Foscherari, Bologna, Renata Fabbri Arte Contemporanea Milano, Christian Stein, Milano.

Il processo creativo e le opere di Elisabetta di Maggio in mostra

Elisabetta di Maggio, milanese classe 1964, vive e lavora a Venezia. Il suo lavoro pone al centro la tematica del tempo inteso come “tempo della vita” e “tempo del fare“, che spesso coincidono perché parte di un medesimo progetto esistenziale. Nelle sue opere cerca di mettere in luce quelli che per lei sono i due elementi salienti della vita: le reti di comunicazioni necessarie a trasmettere informazioni e il tempo necessario affinché questo passaggio abbia luogo.

Trame, circuiti, griglie, strutture e reticoli diventano quindi parte attiva dei suoi capolavori: nonostante appartengano a differenti mondi, fanno parte della nostra quotidianità, in cui investiamo del tempo. L’artista “prende in prestito” i suoi soggetti dal mondo reale, partendo da illustrazioni antropologiche, botaniche, urbanistiche; ma anche da ricami e disegni di tappezzerie e arazzi. In questo processo creativo gioca un ruolo fondamentale il gesto manuale, capace di coniugare insieme la tradizione artigiana, che ha contribuito a rendere unici molti luoghi, con il tempo lungo di realizzazione, che per lei diventa una condizione imprescindibile e concettuale.

Il metodo di lavoro consiste nel tagliare differenti materiali usando affilati bisturi da chirurgo: da grandi fogli di carta velina, passa a foglie di vegetali piccoli o enormi, saponi, porcellana e altre superfici, incluso l’intonaco dei muri. Trascorre ore a sezionare questi materiali e il risultato sono opere che ci restituiscono non solo il senso del tempo, ma che possono essere anche accomunati da un tema unitario: quali forme assume la natura nel suo dilatarsi e organizzarsi.

Ecco che nelle opere in mostra al Museo Marino Marini, Elisabetta di Maggio attraversa, mediante linee rette e curve, una cartografia errante tra materiali diversi: dal sapone inciso, come in Fez 2013, fino a elementi vegetali, foglie, rami e fiori “ricamati”, come nei Vuoto d’aria # 1, #2 #3 (2021), dove l’artista immagina nuovi paesaggi dal fragile equilibrio ma dalla forte tensione interna. Da non perdere è anche Traiettoria di Volo di Farfalla #08, 2017, opera in cui gli spilli disegnano il volo incerto e quasi mai rettilineo delle farfalle, dovuto agli spostamenti d’aria. E ancora i francobolli, le metafore di storie vissute e attese, che compongono, in una complessa e articolata ricostruzione, Senza Titolo 2019, un meraviglioso e prezioso mosaico.

L’arte di Sophie Ko al Museo Marino Marini

Sophie Ko, georgiana classe 1981, vive e lavora a Milano. L’artista pone al centro dei suoi lavori la questione del tempo istituendo una forte relazione simbolica tra i materiali utilizzati, per lo più ceneri di immagini bruciate e pigmenti puri, e le immagini create. Il mutamento e l’instabilità dei materiali in relazione allo scorrere del tempo sono alcune delle costanti della sua ricerca artistica. Un’altra componente essenziale delle sue “geografie temporali” è la forza di gravità che opera sulla e con la materia del quadro, la cenere. Con il passare del tempo infatti, la composizione del quadro cambia: la cenere cade e il tempo, grazie alla forza di gravità, segna il suo passaggio. Le “geografie temporali” possono così essere concepite come disegni del tempo che si insediano in un luogo, immagini spaziali.

Nelle opere in mostra al Museo Marino Marini, Sophie Ko costruisce quindi mappe cromatiche informi usando pigmenti puri, ceneri ottenute bruciando immagini di opere d’arte che, raccolte in teche di vetro e poste verticalmente, si modificano con lo scorrere del tempo come si vede in Geografie Temporali. Atti di Resistenza o Geografie temporali. Le Ceneri della Storia 2020. La posizione verticale dell’opera fa sì che la gravità spinga la materia verso terra. Ecco che, in questo senso, ogni Geografia temporale è un segnatempo, un orologio a polvere. La cornice delimita lo spazio dell’immagine di cenere, come le ampolle della clessidra definiscono lo spazio del tempo misurabile. Il disegno nel quadro cambia, le immagini vivono nel tempo, ne sono testimoni, scompaiono e ritornano. Talvolta l’artista inserisce elementi come fiori o farfalle, come si vede in Geografie Temporali. Vanitas della Terra, 2020, richiamando l’aspirazione metafisica, attraverso cangiantismi e sfavillii dorati degli antichi maestri.