Alla Galleria delle Carrozze di Palazzo Medici Riccardi a Firenze si può visitare fino al 20 maggio “Il Giardino del Tempo”, mostra personale dell’artista cinese Gulistan, tra le voci più interessanti della scena contemporanea internazionale.

La mostra è curata da Claudio Rocca e promossa dalla Fondazione 923 Shanghai Art Space, ed è realizzata con il patrocinio del Comune di Firenze, della Città Metropolitana di Firenze e della Regione Toscana.

La nuova mostra alla Galleria delle Carrozze

L’esposizione comprende una selezione di 45 opere che delinea l’universo visivo dell’artista, denso e stratificato, in cui pensieri, ricordi, sogni e simboli si intrecciano dando forma a un racconto intimo, ma capace di risuonare in chiave universale.

Il percorso espositivo invita il visitatore a immergersi in una dimensione sospesa tra memoria e immaginazione, attraversando uno spazio in cui motivi interiori e riferimenti culturali si fondono in un dialogo continuo. Alcune opere, soprattutto se osservate in rapida sequenza, suggeriscono una rievocazione dell’arte europea pur filtrata dallo sguardo cinese e dalla tecnica della pittura su carta. La pittura di Gulistan si distingue, infatti, per la capacità di mettere in relazione tradizioni differenti: da un lato la cultura visiva
cinese, con la sua attenzione al segno, al vuoto e alla dimensione spirituale; dall’altro suggestioni provenienti dalla storia dell’arte europea. Ne nasce un linguaggio originale nel quale due mondi dialogano idealmente, visivamente e spiritualmente; le linee calligrafiche orientali si confrontano con la struttura della modernità europea, integrando componenti simbolici orientali ad altri tipicamente occidentali. Questa convergenza consente a Gulistan di essere un ponte tra Est e Ovest.

Le opere rivelano una tecnica complessa che utilizza colori ad olio disciolti come fossero
acquerelli, dando vita a superfici stratificate in cui il gesto pittorico alterna pieni e vuoti, presenza e dissolvenza. Le pennellate color seppia ricordano le sinopie degli antichi affreschi rinascimentali e, al contempo, la tecnica dei pittori cinesi che dilatavano l’inchiostro facendo emergere ombre, pieni e vuoti. Le figure umane, spesso evanescenti, emergono come apparizioni sospese, delineate da contorni tenui, che definiscono appena i lineamenti di volti pallidi che assumono le sembianze di apparizioni oniriche. Anche la
trama incompiuta, l’immagine volutamente incompleta, è una precisa scelta dell’artista. Non mancano riferimenti a una pittura più costruita e dai contorni meno rarefatti, come osserviamo soprattutto nei dipinti dove è prevalente l’adesione alla pittura tradizionale cinese. Nella tradizione cinese il vuoto esprime la spiritualità e l’energia interiore ed è un elemento ricorrente nella sua pittura: esso non è assenza bensì possibilità, uno spazio aperto che invita lo spettatore a completare l’immagine con la propria esperienza. Lo spazio bianco, la porzione non risolta dell’immagine, non si offre pienamente ma si apre verso l’esterno come un quesito, una domanda rivolta all’osservatore. In questo senso, il lavoro dell’artista si configura come un invito alla partecipazione e all’ascolto.

Il Giardino come spazio simbolico interiore

Elemento centrale nella poetica di Gulistan è il tema del Giardino, inteso non solo come spazio fisico, ma anche come spazio simbolico e interiore. Nella tradizione orientale il giardino rappresenta un microcosmo in equilibrio, un luogo di contemplazione e armonia con la Natura, un invito ad essere costantemente in sintonia con essa, con la sabbia, l’acqua, i sassi e la vegetazione. Nelle opere esposte il giardino è metafora della memoria e del tempo, uno spazio in cui passato e presente coesistono e si rigenerano continuamente. Il Giardino diventa anche il teatro in cui assumono consistenza le figure che emergono e, al contempo, si sottraggono allo sguardo, presenze in bilico tra apparizione e cancellazione,
“non finite”. Anche i titoli dei quadri esposti ci guidano nel mondo interiore dell’artista e ne evocano la personale simbologia: “Meditazione”, “Siamo foglie dello stesso albero”, “Le note della terra”, “Omaggio ai classici”, “Una leggenda sul tempo”, “Giardino del Tempo”, “Memoria del ritratto”, “Roaming in Europe”, evocano immagini nelle quali la figura è sostanzialmente protagonista, pur apparendo in modalità cangianti da un’opera all’altra.

Il dialogo con Palazzo Medici Riccardi e il confronto con il giardino mediceo

Il dialogo con Palazzo Medici Riccardi e il confronto con il giardino mediceo sono parte integrante del progetto. Luogo simbolo del Rinascimento fiorentino, il palazzo non si limita a fare da contenitore ma è elemento attivo dell’esposizione: la sua storia e la sua architettura entrano in relazione con le opere, creando un confronto tra epoche e visioni del mondo. Come nel cortile mediceo l’ordine architettonico dava forma a un ideale di mondo, così il Giardino di Gulistan diventa lo spazio in cui l’artista tenta di dare forma visibile a un mondo interiore, trasformando l’esperienza privata in occasione di apertura e di confronto collettivo. L’architettura di Palazzo Medici Riccardi, la sua storia e il suo valore simbolico
rappresentano una sorta di palinsesto in cui s’innesta l’opera di Gulistan, rendendo tangibile la dialettica tra tempi e culture differenti. Palazzo Medici Riccardi rappresenta storicamente un luogo in cui architettura, arte e pensiero filosofico erano concepiti come strumenti di elevazione morale e intellettuale della persona. Inserire qui Il Giardino del Tempo significa confrontarsi con questa eredità culturale, non sovrapponendosi allo spazio, ma ascoltandolo e rielaborandolo, poiché ogni luogo porta con sé una memoria che può essere riattivata attraverso un linguaggio artistico capace di coglierne le tensioni latenti.

L’artista cinese Gulistan

Gulistan è una pittrice cinese che vive e lavora a Pechino. Dopo aver conseguito il Master in pittura a olio presso la Capital Normal University di Pechino (2000–2003), ha completato un Master in Education presso la University of Flinders in Australia (2005–2007).
Attualmente è docente alla Capital Normal University, dove affianca all’attività didattica un’intensa ricerca artistica. Nel corso degli anni il suo lavoro è stato presentato in importanti istituzioni museali e sedi internazionali, tra cui il China Art Museum, lo Shanghai Art Museum, il Today Art Museum, il Guangdong Provincial Museum, il Poly Art Museum di Pechino, il National Normal University of Taiwan, il Sejong Hall di Seoul e il Ramsay Museum di Düsseldorf. Le sue opere sono state esposte inoltre in Svezia, Spagna, Portogallo, Grecia, Germania, Italia e Dubai, confermando una presenza sempre più rilevante nel panorama contemporaneo internazionale.

Gli orari di apertura della mostra

La mostra sarà visitabile a ingresso libero fino al 20 maggio 2026 alla Galleria delle Carrozze, Palazzo Medici Riccardi Via Cavour, n. 5, Firenze, in questi orari: dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 18.00. Chiuso il mercoledì.

Un’installazione sonora al MAD di Firenze: è Keep it alive, progetto dell’artista Francesco Pellegrino.

L’opera, curata da Matteo Mannocci e Francesco Toninelli, ed esposta al pubblico al MAD Murate Art District dal 23 aprile al 24 maggio 2026, è stata prodotta dal centro di arte contemporanea del Comune di Firenze a seguito dell’assegnazione a Francesco Pellegrino del primo bando Residenze d’artista 2026 (gennaio-febbraio).

Promossa da MAD Murate Art District e organizzata da Fondazione MUS.E, è presentata a seguito del bando finanziato da Regione Toscana ed è realizzata grazie al contributo di Fondazione CR Firenze.

Keep it alive: un’installazione sonora partecipativa in cui il pubblico svolge un ruolo attivo

Il nuovo progetto espositivo al MAD di Firenze vede al centro un’installazione sonora partecipativa che indaga le dinamiche della comunità, della comunicazione e della costruzione collettiva del senso.

Keep it alive si fonda sull’idea che ogni contesto condiviso esista e si trasformi attraverso l’attivazione di chi lo attraversa, configurandosi come un processo continuo di relazione basato su parola e ascolto.

Il pubblico è chiamato a svolgere un ruolo attivo: le voci, i pensieri e i messaggi dei visitatori vengono registrati e successivamente reimmessi nello spazio espositivo, generando un paesaggio sonoro in costante evoluzione.

L’installazione di Francesco Pellegrino si articola su un doppio piano, sonoro e visivo, attraverso moduli dedicati alla registrazione e alla riproduzione, realizzati con materiali edilizi come cemento, ferro e mattoni.

Il nastro magnetico, elemento strutturale e simbolico, attraversa lo spazio rendendo visibile il flusso dei contributi e il legame tra emissione e ascolto.

Chi è Francesco Pellegrino

Francesco Pellegrino è un musicista, compositore e sound artist il cui lavoro indaga la relazione tra suono, tempo e coscienza. La sua pratica si sviluppa tra composizione elettroacustica e improvvisazione, utilizzando sax, clarinetto e controller elettronici autocostruiti. Si esibisce come solista e in diversi ensemble, presentando il proprio lavoro in festival in Italia, in Europa e in Cina. Come sound artist, esplora l’ascolto come pratica temporale e riflette sull’idea di “postura nel tempo”, intesa come il modo in cui abitiamo e attraversiamo questa dimensione. Le sue installazioni, spesso site-specific, sono state presentate in Italia, Svezia, Messico e Cina.
È fondatore e direttore artistico di PArS – Percorsi d’Arte Sonora, associazione culturale impegnata nella promozione della cultura del suono.

Nel Salone di Michelangelo del Museo Nazionale del Bargello è iniziato il restauro del basamento del Perseo di Benvenuto Cellini.

Sono infatti iniziate le operazioni di disallestimento del basamento marmoreo, primo passo del nuovo intervento conservativo sull’opera.

Il basamento del Perseo di Benvenuto Cellini

Realizzato a partire dal 1549 su commissione di Cosimo I de’ Medici per accompagnare il celebre bronzo destinato alla Loggia dei Lanzi, il basamento del Perseo – conservato al Museo Nazionale del Bargello nella stessa sala che custodisce capolavori dei principali maestri del Cinquecento fiorentino, come Michelangelo Buonarroti, Giambologna, Bartolomeo Ammannati e Baccio Bandinelli – costituisce un raffinato capolavoro di intaglio scultoreo, concepito come un’ara riccamente decorata e densa di significati simbolici.

Restauro del basamento del Perseo: cantiere “live” aperto al pubblico

Il restauro, che prende avvio a distanza di quasi trenta anni dal precedente intervento, sarà accompagnato da un cantiere “live” aperto al pubblico, allestito nella sala mostre al piano terra del museo e aperto al pubblico a partire da maggio.

L’iniziativa offrirà ai visitatori l’opportunità di seguire da vicino le diverse fasi del restauro, approfondendo tecniche, materiali e metodologie di intervento.